Esta canción ayudó a perpetuar la imagen de los Stones como los aterradores chicos malos, totalmente opuesta a la de The Beatles y fue un tremendo éxito para la banda.

La letra fue inspirada por “The Master and Margarita” (El Maestro y Margarita), un libro de Mikail Bulgakov. En el momento, la cantante británica Marianne Faithfull era la novia de Mick Jagger y le había regalado el libro. Faithfull provenía de una familia de clase alta y expuso a Jagger a muchas nuevas ideas. En el libro, el diablo pertenece a una clase social sofisticada y se nos presenta como un “hombre de riqueza y buen gusto.”

El libro, escrito durante la represión soviética de la década de 1930 –cuando las obras de Mijail Bulgakov se habían prohibido,- envuelve su mensaje anti-estalinista en una alegoría compleja del bien y del mal. El personaje principal lo forma Satanás, que se nos aparece bajo la apariencia de un extranjero y autoproclamado mago, de origen oscuro, llamado Voland.

Jagger afirma que la canción nos habla del lado oscuro del hombre y no es una celebración del satanismo.

El cineasta francés Jean-Luc Godard realizó un documental llamado “One Plus One” donde captura las sesiones de grabación de esta canción, las cuales se llevaron a cabo durante cinco días, desde el 5 de Junio hasta el 10 del mismo mes en 1968. En un momento dado, una de las lámparas usadas para el documental provocó un incendio en el estudio. Aunque las cintas se salvaron, gran parte de los equipos de los Stones fueron destruidos.

El título original era “The Devil is my Name.” Jagger dice: “Las canciones pueden sufrir varias metamorfosis y “Sympathy for de Devil” es una de esas canciones que comenzó de una manera diversa. La escribí en una forma y luego seguimos con el cambio del ritmo. Entonces pasó a ser completamente diferente. Llegó un momento en que nos pareció muy emocionante. Empezó como una canción popular y luego se convirtió en una Samba. Una buena pieza puede transformarse en cualquier cosa. Ésta tiene un montón de referencias históricas y mucho de poesía.”
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Post image for Piano Man – Billy Joel – Álbum: Piano Man (1973)

Esta canción fue inspirada basada en las experiencias de Joel mientras tocaba en “The Executive Room”, un piano bar en Los Angeles, luego de que lanzara su primer álbum como solista: “Cold Spring Harbor”. Joel lo menciona en una entrevista para el periódico Metro, el 6 de Julio de 2006: “Fue algo temporal que se extendió por seis meses, pues tenía que pagar la renta. Estaba viviendo en Los Angeles y tratando de salir de un contrato de grabación que había firmado que se tornó agrio. Trabajaba bajo el nombre de Bill Martin. No tengo idea del por qué esa canción se hizo tan popular. Es como una de las favoritas para karaoke. La melodía no es tan buena y es más bien repetitiva, mientras que la letra va en rimas. Estaba conmocionado y a la vez avergonzado cuando se convirtió en un éxito. Sin embargo, mis canciones son como mis hijos y cuando veo ésta canción, entonces pienso, ‘bueno, mi hijo lo hizo bastante bien’.”

Joel tocaba bajo el nombre de Bill Martin, lo que explica el motivo de que en la canción, los clientes del lugar, se refieran a él como Bill. Martin es su segundo nombre.

Piano Man es la primera canción del álbum y la que le da el título al mismo. Fue lanzado poco después de firmar con Columbia Records. Mientras su primer disco había sido bajo la firma Family Records, en 1971, el contrato que había aceptado con ellos se convertiría a la larga en una amarga experiencia. Como usualmente sucede con los jóvenes músicos, Joel no entendió el contrato en el que acababa de poner su rubrica, ya que le ataba “de por vida” al sello musical. Durante años, aún después de haber firmado con Columbia, Joel se vio forzado a pagar miles de dólares a Family Records por regalías y derechos de autor.

La canción que les traigo hoy, con su alegre ritmo de waltz, podría pasar como algo superficial. Sin embargo, la lírica de de la misma, está llena de una profundidad sorprendente. Entre líneas nos habla sobre la soledad de las personas, del lugar donde todos se reúnen para olvidar sus penas y la necesidad de compañía de todo ser humano, así como los anhelos de cada uno de los personajes que forman parte de la canción.
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Post image for Happy Xmas (War Is Over) – John & Yoko – The Plastic Ono Band (1971)

John Lennon y Yoko Ono escribieron esta canción en su habitación, en un hotel de la Ciudad de Nueva York y la grabaron durante la tarde del 28 de Octubre, de 1971, en The Record Plant Studios, New York, con la ayuda del productor Phil Spector, quien había trabajado en algunas de las canciones de The Beatles. El sencillo sería lanzado el 6 de Diciembre de ese año, en Estados Unidos, pero ni siquiera llegó a las listas de popularidad; por su parte, en el Reino Unido sería retrasada su edición hasta noviembre del año siguiente.

Para continuar con la historia de esta bella pieza musical, deberemos remitirnos al hervidero que provocó el enfrentamiento entre Vietnam del Sur y Vietnam del Norte (desde 1959 hasta 1975). Lo que desembocó en una guerra entre ambos países, se convertiría en un conflicto internacional cuando, Estados Unidos y otros 40 países más, apoyaron a Vietnam del Sur, mientras que la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) y la República Popular China suministraban municiones a Vietnam del Norte y al Vietcong.
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Post image for Strangers in the Night – Frank Sinatra – Álbum: Strangers in the Night (1966)

A mediados de los años 60, la leyenda de la música, Frank Sinatra, tuvo que realizar una carrera contra el tiempo para poder grabar “Strangers in the Night.” Él estaba ahora en sus 50 años de edad, pero aún continuaba compitiendo con una cantidad de jóvenes cantantes con estilos similares al suyo, como Bobby Darin. Usualmente, la música popular suele ser un juego de hombres jóvenes, pero Sinatra tenía todavía más influencia que otros artistas; también tenía otra cosa: ¡Su propio sello discográfico, Reprise!

La canción que se convertiría en “Extraños en la Noche,” fue originalmente interpretada por Ivo Robic para un festival de música en Split, Croacia (aunque Wiki dice que fue en St. Petersburg, Russia); poco después Robic grabaría las versiones en croata (Stranci u Noci, letra de Marija Renota) y en alemán (Fremde in der Nacht, letra de Kurt Felitz). Sin embargo, la lírica en inglés sobre el amor a primera vista, fue escrita por Charles Singleton y Eddie Snyder.
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Post image for Papa Was a Rollin’ Stone – The Temptations (1972)

“Papa Was a Rollin’ Stone” es una canción soul escrita por los compositores del sello Motown, Norman Whitfield y Barrett Strong, para “The Undisputed Truth” en 1971. Dicha versión fue lanzada en un sencillo a principios de 1972 y alcanzó el puesto Nro. 63 en las listas de popularidad, y en las de R & B llegó al 24 de las mismas.

“The Undisputed Truth” fue un grupo formado por el productor de Motown, Norman Whitfield, en los años ’70, como un medio para poder experimentar sus técnicas de producción de soul psicodélico. El vocalista líder del grupo fue Joe Harris que, junto con Billie Rae Calvin y Brenda Joyce, ex integrantes de The Delicates, completaban las voces adicionales.

Más tarde, en 1972, Whitfield, quien también es el productor y coautor de la canción que nos ocupa, tomó la pieza y la rehízo en una versión que, con doce minutos de duración, grabaron “The Temptations.” A pesar de lo poco común por lo extensa de la misma, llegó al puesto número uno en el Billboard Hot 100 y ganó tres premios Grammy en 1973. Si bien la versión original de “Undisputed Truth” ha sido olvidada en gran medida, la de “The Temptations” es una canción que ha perdurado y se convirtió en un influyente clásico del género soul. Está catalogada en el puesto Nro. 168 en la lista de Rolling Stone “Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos.” Aunque en la misma recopilación figuran dos canciones más del grupo, Otis Williams, miembro de The Temptations, considera que esta canción fue el último y verdadero clásico grabado por ellos.
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Post image for Over The Rainbow – Judy Garland. Álbum: The Wizard Of Oz (1938)

Escrita para la película de “El Mago de Oz”, y especialmente para Judy Garland, esta canción es utilizada al comienzo de la misma. Dorothy, papel interpretado por Garland, intenta escapar de su triste vida en una granja en Kansas y le implora al cielo por una vida mejor. Cuando la película comienza, es en blanco y negro. Poco después, como respuesta a su ruego, un tornado transporta a Dorothy, dentro de su casa, y la deposita en Munchkinland. Luego de reponerse,  Dorothy abre la puerta en un total silencio y la transición al color se realiza con todo su esplendor.

La música fue escrita por Harold Arlen y la letra por Yip Harburg. Los productores les pidieron escribirla basándose en sus anteriores éxitos: “It’s Only a Paper Moon“, “Brother, Can You Spare a Dime” y “Lydia the Tattooed Lady.”

Un día, mientras Arlen estaba sentado en su vehículo frente a “Schwab’s Drug Store”, en Hollywood, se le ocurrió la melodía. Al principio, Harburg la detestaba, pues pensaba que era demasiado lenta. Después de consultarlo con Arlen e Ira Gershwin, letrista de musicales de Hollywood, se le aceleró los tempos y fue entonces que Harburg escribió la letra.
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Post image for Green, Green Grass Of Home – Tom Jones – Álbum: Green, Green Grass Of Home (1966)

Esta canción country fue inspirada en una escena de la película estadounidense “The Asphalt Jungle” (La Jungla de Asfalto), de 1950, dirigida por John Huston. Nominada a 4 Premios Oscar, es considerada como uno de los clásicos del cine negro o film noir y está basada en la novela homónima de W. R. Burnett. El compositor Claude “Curly” Putman Jr., radicado en Nashville (Tennessee, EE.UU.), la había compuesto en 1964 y fue grabada inicialmente por Porter Wagoner; poco después, por Johny Darrell en 1964; y luego, por el cantante de música country Bobby Bare en 1965.

Sin embargo, Tom Jones decide grabar esta canción después de haber escuchado la versión que hiciera de la misma el legendario rocanrolero Jerry Lee Lewis, quien había comenzado a hacer discos country. Lewis la había grabado para su álbum “Country Songs For City Folks” (Canciones Country para Gente de Ciudad), pero no corrió con mucho éxito.

En la entrevista que le hiciera Jon Kutner y Spencer Leigh a Tom Jones, para ‘1000 UK #1 Hits,’ Jones recuerda: “Le dije a mi mánager, Peter Sullivan, que me encantaría grabar esa canción. Él me preguntó, ¿Una canción country? Y le dije ‘¡Sí! Hasta ahora no he hecho ninguna canción country.’ Les Reed fue quien hizo los arreglos y él mismo tocó el piano en el disco. Reed la hizo más como una canción pop que una country, porque cuando Jerry Lee Lewis la cantó, la hizo al puro estilo country. Cuando regresé a Inglaterra la grabé para la TV y, en el estudio, se recreó una cárcel. Pero no sabías que era ‘una cárcel’ hasta que la cámara se abría y retrocedía, entonces podías ver las barras y allí estaba yo, sentado en la cárcel y cantando The Green, Green Grass Of Home.”
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